Die Grammys

Nov 23, 2023

Foto: John Swannell

Interview

In einem karriereübergreifenden Interview diskutieren Duran Duran-Bassist John Taylor und Schlagzeuger Roger Taylor über die anhaltenden kulturellen Veränderungen und die Breite der Diskographie der Band.

Living Legends ist eine Serie, die Ikonen der Musik hervorhebt, die auch heute noch stark sind. Diese Woche sprach GRAMMY.com mit Mitgliedern von Duran Duran. Die Band ist derzeit mit Nile Rodgers auf Tour.

Duran Duran, eine der größten Bands der 1980er Jahre, hat den überschwänglichen Pop-Ethos des Jahrzehnts eingefangen und einen großen Teil seines Sinns für Mode beeinflusst. Auch vier Jahrzehnte später erfreut sich die Gruppe dank ihrer beliebten Hits, einer starken Live-Show und ihrer besonderen Kombination aus Nostalgie und Moderne immer noch großer Beliebtheit.

Das britische Pop-Rock-Quintett, das ursprünglich aufgrund seines guten Aussehens, seiner stilvollen Kleidung und seiner sexy Videos als Teenager-Band galt, hat sich als weit mehr als eine Zeitkapsel der 80er Jahre erwiesen, auch wenn sein Schaffen aus dieser Zeit bis heute Bestand hat.

Duran Durans erste drei Studioalben und die Live-Veröffentlichung Arena waren Anfang der 80er Jahre große Hits. Ihr Hit „Hungry Like The Wolf“ gewann 1984 zwei GRAMMY Awards: Bestes Videoalbum und Bestes Video, Kurzform. 1985 trennten sie sich vorübergehend in zwei beliebte Nebenprojekte, Arcadia und Power Station, und veröffentlichten gleichzeitig ihren zweiten Nr.-1-Hit als Duran Duran (den Titelsong zum James-Bond-Film A View To A Kill).

Es folgte ein Umbruch in der Besetzung. Überwältigt von ihrem enormen Erfolg verließ Schlagzeuger Roger Taylor 1986 die Band und die Musikindustrie. Gitarrist Andy Taylor startete eine rockbasierte Solokarriere als Künstler und Produzent. Frontmann Simon LeBon, Keyboarder Nick Rhodes und Bassist John Taylor machten weiter und holten 1988 den Gitarristen Warren Cuccurullo mit.

Beflügelt von den melancholischen Hits „Ordinary World“ und „Come Undone“ erreichte Duran Durans selbstbetitelte Veröffentlichung von 1993 (auch bekannt als „The Wedding Album“) Platinstatus. John Taylor schied 1997 für zwei Alben aus, aber die klassische Besetzung kam wieder zusammen und veröffentlichte 2004 das erfolgreiche Comeback-Album „Astronaut“. Andy schied vor dem poppigen Red Carpet Massacre (mit Auftritten von Justin Timberlake und Timbaland) aus dem Jahr 2007 und dem aktuellen Gitarristen erneut aus Dom Brown schloss sich ihren Reihen an.

Seitdem hat Duran Duran drei weitere Alben veröffentlicht (darunter das Top-10-Seller-Album „Paper Gods“), mit Kiesza, Janelle Monáe und John Frusciante zusammengearbeitet und wurde in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen.

Duran Duran tourt derzeit mit Nile Rodgers und Chic – ein Zufall, da Mitglieder von Chic und Duran Duran in den 80er Jahren enge Freunde und Mitarbeiter wurden. Durans neuestes Album, „Future Past“ aus dem Jahr 2021, kombiniert Elemente ihres klassischen Sounds mit zeitgenössischen Einflüssen von Graham Coxon von Blur, dem Produzenten/Komponisten Giorgio Moroder und bemerkenswerten Gastauftritten der GRAMMY-nominierten schwedischen Sängerin Tove Lo und der genreübergreifenden japanischen Band Chai.

Bassist John Taylor und Schlagzeuger Roger Taylor sprachen mit GRAMMY.com über die Geschichte der Band und was sie antreibt. Nachdem diese Interviews geführt worden waren, kündigte Gitarrist Andy Taylor sein erstes Soloalbum seit 33 Jahren an: Man's A Wolf To Man. Taylor kämpft seit mehreren Jahren gegen Prostatakrebs im vierten Stadium und Duran Durans erste Show der aktuellen US-Tour am 19. August wird Spenden für ihn sammeln.

Sie haben auf dieser Tour das unheimliche „Night Boat“ von Ihrem Debüt gespielt. Dieses Lied geht auf Ihre Rum-Runner-Club-Tage in Birmingham zurück.

Roger Taylor: Es ist doch ein ziemlich tiefgründiges und episches Musikstück für einen Haufen 20-Jähriger, nicht wahr? Ich war sehr beeindruckt, als wir anfingen, es erneut zu spielen, denn das Arrangement ist wirklich gut gelungen. Es ist kein normaler drei- oder vierminütiger Popsong.

Alles was Sie brauchen ist jetzt aus dem Jahr 2010 ist wahrscheinlich das 80er-Jahre-Album Ihrer 2000er-Jahre. Allerdings hätte man ein Lied wie „The Man Who Stole A Leopard“ damals nicht von Duran Duran gehört.

Roger Taylor: [Produzent] Mark Ronson hatte die Idee, dass wir uns nicht schämen sollten. Er sagte: „Es gibt so viele Bands da draußen, die dich kopieren oder dich als Einfluss bezeichnen, dass du dich nicht schämen solltest, der zu sein, der du bist.“

Und ich denke, Mark Ronson hat uns definitiv auf den Weg zu einer Art moderner Selbstfindung gebracht, bei der wir tatsächlich aufgehört haben, vor uns selbst davonzulaufen. Ich denke, wir haben viel Zeit damit verbracht, uns völlig neu zu erfinden und völlig anders zu klingen. Ich denke, das Red Carpet Massacre [im Jahr 2007] war die Spitze dieses Eisbergs. Ich denke, wir sind zu einem etwas organischeren Sound zurückgekehrt. Wir haben uns etwas mehr darauf konzentriert, dass John und ich wieder zusammen spielen. Nick [brachte] einige seiner organischen Synthesizer aus den Anfangstagen heraus. Wir haben uns selbst akzeptiert und das hat uns dahin gebracht, wo wir jetzt sind.

John, ich habe einmal gelesen, dass du das Gefühl hattest, dass du auf den frühen Alben zu viel gespielt hast. Wie blicken Sie jetzt auf Ihr Spiel zurück?

John Taylor: Du lernst im Laufe der Zeit Tricks. Als 1981 die erste Platte herauskam, spielte ich wahrscheinlich schon seit zwei Jahren Bass. Was ich auf diesem ersten Album spiele, ist alles, was ich spielen kann. Es gibt kein Auswahlverfahren. Roger und ich versuchen einfach, Grooves, Licks und Übergänge zu erfinden – wie sollen wir von diesem Teil zum nächsten übergehen – und es hat großartig, sehr viel Spaß gemacht.

Es gab zwar eine Hierarchie der Musikalität [in der Band], aber es war nicht so toll, dass sich irgendjemand ausgeschlossen fühlte. Ich denke, das ist wirklich der Schlüssel zu jeder Gruppe von Musikern. Wenn Sie erst seit ein oder zwei Jahren spielen, möchten Sie nicht in der Nähe von Virtuosen sein, weil Sie immer aufholen müssen.

Roger, du bist auf der Bühne intensiv unter deinen Kopfhörern versunken. Man hat diesen Jonglierakt, um den Groove am Laufen zu halten, aber gelegentlich müssen Dinge festgehalten werden, wenn eine Sequenzierung oder Rhythmusprogrammierung im Gange ist. Ich nehme an, das ist sehr herausfordernd?

Roger Taylor: Es war schon immer ein anspruchsvoller Auftritt, weil wir, wie Sie ganz richtig sagen, versuchen, bei der Live-Performance eine organische Qualität beizubehalten. Aber dann spielt Nick sehr rhythmische Parts. Wir verwenden viele Sequenzer, Rhythmusboxen und programmierte Rhythmusstücke, und ich muss damit im Takt bleiben.

Es ist also ziemlich schwierig, zwei Stunden lang dafür zu sorgen, dass die Zeit nicht ausläuft und das Tempo nicht variiert wird. Es muss wirklich fixiert sein. Ich verwende jetzt ein Hybrid-Kit, das eine Mischung aus Live-Sound und Samples von der Platte ist, die durch das Live-Schlagzeug getriggert werden. Wenn Sie also das Kit vorne hören, hören Sie einen Teil des Live-Kits, aber Sie hören auch einige elektronische Klänge, die dem Kit beigemischt sind.

John, Sie haben mit drei sehr markanten Gitarristen gespielt – Andy Taylor, Warren Cuccurullo und jetzt Dom Brown. Wie war es für Sie, mit jedem von ihnen zu spielen?

John Taylor: Andy war sehr kreativ und landete einfach auf dem Ding, das Nick, Roger und ich entwickelt hatten. Wir hatten an dieser theoretischen Rhythmussektion gearbeitet – nun ja, es war nicht theoretisch, wir haben sie tatsächlich gemacht – und wir haben Sequenzer gestartet, unsere Chic-Riffs kopiert und diese Atmosphäre entwickelt. Andy kam gerade herein und fand seinen Weg in das, was wir taten, und brachte es auf eine andere Ebene.

Warren ist künstlerisch ein sehr kraftvoller, sehr tiefgründiger Musiker. Die Zeit, die wir mit Warren verbrachten, war interessant. Bei den ersten paar Platten, die wir mit Warren gemacht haben, haben wir wirklich Regie geführt, was wir von ihm wollten, aber ich erinnere mich an eine Zeit in den 90ern, in der ich einfach einen Schritt zurückgetreten bin. Ich hatte damals nicht besonders viel Energie für die Band und Warren hat sich einfach darauf eingelassen. Das wahrscheinlich Beste, was wir mit Warren gemacht haben, war „MTV Unplugged“. Ihm wurde tatsächlich die Aufgabe übertragen, das zu arrangieren, und er hat einige sehr, sehr kluge Dinge getan.

Dom ist altmodisch, das heißt, er nimmt die Gitarre sehr ernst. Er ist Leadgitarrist. Ich könnte an einer Hand abzählen, wie viele Pennernoten er im Laufe der Jahre mit uns gespielt hat. Er liebt es zu jammen. Ich denke, die Reise mit ihm hat ihn wirklich von der [gleichen] Bedeutung des Rhythmusspiels überzeugt und ihn dazu gebracht, wie Steve Cropper und wie Nile [Rodgers] zu denken.

Mitte der 1980er Jahre waren Simon, Nick und Roger in Arcadia und John und Andy gingen zur Power Station. Sie repräsentierten im Laufe der Jahre zwei treibende Ästhetiken der Band: die atmosphärische und manchmal düsterere Seite bei der ersteren und das Groove-orientierte Material bei der letzteren. Durans „Night Boat“ ist ein so interessantes Lied, weil es in beide Richtungen funktioniert. Ich glaube nicht, dass manche Leute erkennen, wie vielfältig diese Band ist.

Roger Taylor: Ich glaube, das wurde in den frühen 80ern übersehen. Wir hatten ein junges weibliches Publikum, das bei den meisten Auftritten zu den Auftritten kam und schrie. Wir gingen immer raus und begannen mit „Gibt es etwas, das ich wissen sollte?“ und als sich der Vorhang öffnete, ertönte nur noch ein ohrenbetäubendes, hohes Kreischen. Um ehrlich zu sein, fiel es uns wirklich schwer zu hören, was wir spielten.

Ich denke, die Leute gingen davon aus, dass wir nur eine Teenagerband waren, die gerade diese ziemlich poppigen Singles veröffentlichte. Es gab immer das, was ich die dunkle Seite von Duran nenne, und ich glaube, es hat ein paar Jahre gedauert, bis die Leute das wirklich zu schätzen wussten, dass wir musikalisch eine andere Seite hatten.

Andy liebte AC/DC, Nick wollte, dass wir wie Kraftwerk klingen, John und ich wollten wie Chic klingen. Wir hatten also einfach diesen Mix aus verschiedenen Einflüssen, der irgendwie etwas sehr Originelles hervorbrachte. Wenn ich zuhöre"Hungrig wie ein Wolf," Das konnte kein anderer sein. Obwohl wir damals versuchten, andere Menschen zu sein, haben wir meiner Meinung nach etwas sehr Originelles geschaffen.

Ich höre die dunklere Seite in einem Lied wie „The Chauffeur“ aus Rio oder „Invisible“ aus Future Past. Mir gefällt auch die Verträumtheit von Arcadias „The Promise“ sehr.

Roger Taylor: Ich muss sagen, dass [letzteres Lied] eines meiner Lieblingsmusikstücke ist, das ich je gespielt habe. Ich liebe dieses Lied wirklich und Dave Gilmour von Pink Floyd spielt darauf Gitarre. Es hatte Sting als Hintergrundgesang. Es war ein episches Lied, und ich denke, es hat den Test der Zeit wirklich bestanden.

John, Sie haben erwähnt, dass Sie das Gefühl hatten, dass Simon als Texter auf „The Wedding Album“ wirklich gereift ist, insbesondere nachdem „Ordinary World“ in einen persönlicheren Bereich vordrang.

John Taylor: In gewisser Weise kam es Ende der 80er-Jahre dazu, dass das Baby mit dem Bade ausgeschüttet wurde, und Duran hatte Mühe, im Spiel zu bleiben. Wir haben viel Kritik für genau die Dinge einstecken müssen, die uns eigentlich zu etwas Besonderem gemacht haben. Ich blicke zurück auf Simons Texte aus den frühen 80ern – Texte wie „Cracks In The Pavement“ oder „New Moon On Monday“ – und „The Reflex“ ist ein ebenso rätselhafter Popsong wie [Bob Dylans] „A Hard Rain's Gonna“. Herbst“ und sehr unheimlich interessant. Versuchen Sie noch heute, es in die Top 30 zu schaffen, es ist Ihnen einfach nicht gelungen.

Es fühlte sich einfach so an, als hätte es Ende der 80er Jahre einen solchen musikalischen und textlichen Wandel gegeben. Wir waren sehr daran interessiert, einen größeren Sinn für Realismus zu schaffen. Ich hatte es satt, dass Leute sagten: „Worum geht es in diesen Texten überhaupt?“ Also fing Simon an, ein wenig mit Gefühlen zu experimentieren, mit Texten, die auf emotionale Umstände reagieren. Und er erreichte es mit „Ordinary World“ und „Come Undone“, zwei der großartigsten Texte der 90er Jahre auf demselben Album.

Wenn man schon so lange Musik macht wie wir, fragt man sich immer, wo man sein sollte und was man im Verhältnis zu seinem Publikum tun sollte. Ab den 90er-Jahren hatten wir zwei Möglichkeiten, in die wir eintauchen konnten: Wir hatten die distanzierten, rätselhaften, seltsamen Songs, und dann hatten wir die emotional direkten [Songs]. Ich denke, für Simon ist es wirklich hilfreich, wenn er ein Thema hat.

Wir haben diesen Sandkasten und wenn wir gemeinsam schreiben, sind wir alle aufgeregt. Wir stellen uns alle in einem Raum auf und fangen an zu jammen. Simon mischt sich auf die Stimme ein, oder er holt sich eine Gitarre, und er muss sich seinen Weg durchschlagen. Normalerweise bin ich der Erste, der fertig ist. „Ich habe die Basslinie!“ Dann, einen Monat später, hat Nick die Keyboardparts und Simon versucht immer noch herauszufinden, was seine Gesangsskizzen bedeuten oder was sie bedeuten könnten. Und es ist wirklich schwierig. Ich sage immer, dass es nie einfach war, halbwegs interessante Musik zu machen.

„Reportage“ aus dem Jahr 2006 wurde auf Eis gelegt, es besteht jedoch die Möglichkeit, dass es veröffentlicht wird. Soweit ich weiß, ist das Album etwas politischer, was nicht typisch für Duran Duran ist. Nick beschrieb es einmal als eine eher ausgefallene Platte. Erinnern Sie sich an die Aufnahme?

John Taylor: David Byrne sagte gestern auf CNN: Heutzutage ist alles politisch, es spielt keine Rolle, was man tut. Reportage war Realismus. Deshalb nennen wir es Reportage – es fühlte sich sehr an wie Musik, die Geschichten in den Nachrichten widerspiegelte.

Da war ein Lied, das Simon über die Labour-Regierung im Vereinigten Königreich geschrieben hatte, und ich erinnere mich, dass Nick und er darüber in einen heftigen Streit gerieten. Die Texte von Duran Duran sollten in gewisser Weise eine feine Gaze über den Texten haben. Es muss ein bisschen Rauch sein, ein bisschen Atmosphäre um die Worte herum. Ich denke, Simon ist definitiv daran interessiert, sich der Herausforderung des Lyrikschreibens zu stellen, sei es das perfekte Liebeslied, ein höchst stumpfes Stück intellektuellen Wortspiels oder ein Lied, das irgendeine Sache vorantreibt.

John, vor ein paar Jahren erzählte mir Nick, dass Sie und er an einem Musical arbeiteten und es kein traditionelles Musical werden würde. Wie läuft das ab?

John Taylor: Im Moment liegt es in der Warteschleife. Es war eine wirklich interessante Übung. Ich habe das Gefühl, dass wir beim Schreiben viel gelernt haben – bis hin zum Erlernen eines Themas, zum Erlernen des Schreibens für Charaktere und zum Schreiben, um die Handlung voranzutreiben.

Es ist sehr wahrscheinlich, dass es eines Tages das Licht der Welt erblicken wird. Nicht alles muss das Licht der Welt erblicken. Manchmal kann etwas wie Forschung und Entwicklung genauso wichtig sein. Aber so etwas auf die Bühne zu bringen, ist ein großes Unterfangen.

Duran Duran erreichte seinen Höhepunkt ursprünglich in einer unglaublich dekadenten Zeit in der Musikindustrie, in der viel Geld ausgegeben wurde. Roger, Sie haben sich ein Jahrzehnt lang von der Musik zurückgezogen, um ein normales Leben zu führen. Wenn Sie mit jüngeren Musikern sprechen, die mehr darüber wissen möchten, wie würden Sie diese Zeit der 80er Jahre beschreiben?

Roger Taylor: Es war sicherlich eine verrückte Zeit und unglaublich dekadent. Die Plattenfirmen schienen endlose Millionen zu haben, die sie in den 70er Jahren verdient hatten [und] sie verdienten erneut Millionen, weil sie CDs herausbrachten. Ich erinnere mich an einen Besuch bei EMI am Manchester Square in London – die Plattenmanager hatten Flügel in ihren Büros, sie fuhren Rolls Royces und Jaguars und nahmen jeden Monat ein Dutzend Bands unter Vertrag.

Wir hatten einfach Glück, dass wir den nächsten Schritt gemacht haben. Sehr ungewöhnlich ist es uns gelungen, Amerika zu zerstören, das riesig war – und nicht nur die Ränder Amerikas. Wir haben in ganz Amerika Pleite gemacht. Es war einfach eine wundervolle Zeit voller verschiedener Schritte und Möglichkeiten, die wir ergriffen haben, und für uns lief einfach alles gut.

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Foto: Michael Putland/Getty Images

Besonderheit

Ein halbes Jahrhundert nach der Bekanntschaft mit Queen – und vielleicht noch bemerkenswerter mit ihrem launenhaften Frontmann – blickt GRAMMY.com auf das gleichnamige erste Album zurück, das der Rockmusik neue theatralische Höhen verschaffte.

Ein Großteil des selbstbetitelten Debütalbums von Queen aus dem Jahr 1973 scheint aus der bemerkenswerten Geschichte der Rockgiganten gelöscht worden zu sein. Es fällt durch sein Fehlen auf Greatest Hits auf, der Zusammenstellung von 1981, die nach wie vor das meistverkaufte Album Großbritanniens aller Zeiten ist. Die Inkarnation von Adam Lambert hat bisher nur zwei seiner Lieder gespielt. Und in einem von vielen, vielen Beispielen für Revisionismus lässt der Film „Bohemian Rhapsody“ glauben, dass ihr erstes aufgenommenes Werk der Abschluss ihres zweiten Albums „Seven Seas of Rhye“ war. Und doch ist es ein entscheidendes erstes Kapitel der Geschichte von Queen – eines, das den Grundstein für all die Genialität und tatsächlich das Chaos legte, das folgen sollte.

Queen feierte am 13. Juli sein 50-jähriges Jubiläum und entstand aus einer fünf Songs umfassenden Demo, die Frontmann Freddie Mercury, Gitarrist Brian May, Bassist John Deacon und Schlagzeuger Roger Taylor im Jahr zuvor bei zahlreichen Labels verschickt hatten. Charisma Records war der einzige, der anbiss. Doch als Heimat der bereits etablierten Prog-Rocker Genesis glaubte die Band Berichten zufolge, dass sie nicht die nötige Aufmerksamkeit bekommen würde, und lehnte das Angebot ab.

Queen knüpfte jedoch eine Verbindung zu John Anthony, dem Produzenten von Genesis' zweiter LP Trespass, und seinem Neptune Productions-Mitbegründer Roy Thomas Baker. Anschließend leiteten die beiden Sessions in denselben Trident Studios, in denen die Beatles, ein besonderer Favorit von May, „Hey Jude“ aufgenommen hatten. Aber im Gegensatz zu den Fab Four durften Queen nur außerhalb der Geschäftszeiten aufnehmen, eine Vereinbarung, die Taylor später in der Dokumentation „Days of Our Lives“ von 2011 enthüllte, war nicht immer förderlich für volle Konzentration: „Man konnte die arbeitenden Mädchen nachts durch ihre Augen sehen.“ Schnürvorhänge, so dass wir beim Mischen etwas Abwechslung hatten.

Wie jede junge Band brauchte Queen eine Weile, um die Sache auf den Punkt zu bringen. Der Opener „Keep Yourself Alive“, einer der wenigen Songs des Albums, die lange haltbar waren, musste acht Mal neu aufgenommen werden, bevor ein Mix des langjährigen Toningenieurs Mike Stone schließlich die Zustimmung der Band erreichte. „Mad the Swine“ wurde aufgrund widersprüchlicher Meinungen über seinen Rhythmus komplett verworfen und erschien erst später als B-Seite von 1991. Und die Atmosphäre zwischen der Gruppe und Baker war ständig angespannt, und May bemerkte später: „Wir kämpften die ganze Zeit darum, einen Ort zu finden, an dem wir die Perfektion, aber auch die Realität von Leistung und Klang hatten.“

Die Kinderkrankheiten von Queen ließen nicht nach, als sie sich vom Studio verabschiedeten. Wieder einmal hatte die Gruppe Mühe, das Interesse eines größeren Labels zu wecken. Tatsächlich dauerte es acht Monate, bis ihr Debüt ein Zuhause fand: Es wurde schließlich von Trident Studios über einen Lizenzvertrag mit Elektra Records in den USA und EMI in Großbritannien herausgebracht. Der Gründer von Erstgenanntem, Jac Holman, hat den Mangel sicherlich wettgemacht Woanders herrschte jedoch Begeisterung, als er 1972 in einem Memo an seine Mitarbeiter erklärte: „Ich habe die Zukunft der Popmusik gesehen, und es ist eine Band namens Queen.“

Leider glaubte die Band selbst, als die Platte im darauffolgenden Jahr schließlich in die Läden kam, dass sie alles andere als zukunftsorientiert sei, sondern bereits so etwas wie ein Relikt sei. In einem Gespräch mit dem Magazin Guitar nur wenige Wochen später bemerkte May desillusioniert: „Die meisten Songs wurden vor etwa drei Jahren geschrieben. Wir haben einfach das Gefühl, dass wir als Band über das hinausgegangen sind, was auf dem Album steht. Wir haben es in die richtige Reihenfolge gebracht.“ zu verschiedenen Dingen voranzukommen.“ Innerhalb eines Monats war Queen in die Trident Studios zurückgekehrt, um mit der Arbeit an der Fortsetzung zu beginnen.

Glücklicherweise war die Reaktion außerhalb der Band weniger ermüdet. Obwohl es die Charts kaum zum Erfolg brachte und Platz 83 der Billboard 200 und Platz 32 der britischen Album-Charts erreichte, verkaufte sich „Queen“ stabil genug, um Goldstatus zu erreichen. Eine landesweite Headliner-Tournee, die passenderweise am Queen Mary's College in Basingstoke begann, und ein Support-Slot mit Mott the Hoople trugen ebenfalls zur Verbreitung der Nachricht bei.

Und die Presse schloss sich sofort einer Band an, deren Leitbild, wie Mercury gegenüber Melody Maker sagte, sofort schockieren sollte: „Wir wollen nicht, dass die Leute darüber nachdenken müssen, ob sie uns mögen oder nicht, sondern dass sie sich eine Meinung bilden.“ Moment, in dem sie uns sehen. In einer der überschwänglicheren Rezensionen des Albums erklärte der Rolling Stone: „Dieses funky, energiegeladene englische Quartett verfügt über alle Werkzeuge, die es braucht, um Anspruch auf den abgedankten Heavy-Metal-Thron der Zep zu erheben und darüber hinaus eine wirklich einflussreiche Kraft in der Welt zu werden.“ Rockwelt.“

Diejenigen, die nur mit den publikumswirksamen Stadionhymnen der Gruppe vertraut sind, werden überrascht sein, von Vergleichen mit Led Zeppelin und der Rede von Heavy Metal zu hören. Aber die Königin von 1973 war ein anderes Tier als die Königin, die Live Aid eroberte. Ihr gleichnamiges Debüt ist in der Tat ein Ort, an dem die Riffs donnernd sind, die Tempi sich ständig ändern und die lyrischen Themen im Mystischen und Mittelalterlichen verankert sind. Hier gibt es kaum etwas, das Massensingalongs wie „We Will Rock You“ oder „Don't Stop Me Now“ anregen könnte.

Für eine Band, die noch in den Kinderschuhen steckt, ist der Ehrgeiz bemerkenswert – und doch, wie sie im Laufe ihrer Karriere beweisen würden, kaum ein Ausreißer. „Doing All Right“ stammt aus May und Taylors früherer Band Smile und schwankt souverän von Prog und Folk zu Proto-Metal. Mit galoppierenden Rhythmen, akustischen Pausen und einer Einfügung des Kinderreims „Old King Cole“ enthält das barocke und bizarre „Great King Rat“ in seinen fast sechs Minuten mehr Ideen, als viele ihrer Kollegen in ihrer gesamten Diskographie schafften; „Jesus“ feiert die Macht Christi, Kranke zu heilen, mit marschierendem Beat und wirbelnden Gitarren, die an das Psychedelische grenzen.

Wie das Cover des Albums zeigt – ein lilafarbener Scheinwerfer, der ausschließlich ihren mit ausgestreckten Armen beleuchteten Frontmann beleuchtet –, ist Mercury zweifellos der Star der Show. Er ist nicht nur Co-Autor der Hälfte der zehn Titel, sondern übernimmt auch fast alle Hauptgesangsaufgaben und darf bei „My Fairy King“ sogar sein Klavierkönnen unter Beweis stellen. Diese Tolkien-artige Saga („Ah, dann kam der Mensch, um in der Nacht wild zu werden/ Um wie Diebe zu rennen und wie Messer zu töten“) stellte auch die fantastische Welt von Rhye vor, die im kommerziellen Durchbruch von Queen weiter erforscht werden sollte.

Allerdings haben Mercurys Bandkollegen immer noch die Chance, zu glänzen. Man ist nie mehr als 30 Sekunden davon entfernt, dass May versucht, die Overdub-Theatralik seines Gitarrenhelden Jimi Hendrix nachzuahmen, wie bei „Son and Daughter“. Er wollte unbedingt beweisen, dass seine sechssaitigen Zauberkünste echt waren, beharrte er In den Linernotes von Queen heißt es, dass „niemand Synthesizer gespielt hat“.

Es sind die Solokompositionen von May, die am zugänglichsten auf dem Album sind. Der treibende Opener „Keep Yourself Alive“ weist auf den exzessiven Geschmack der Band hin („Well I've love a million women/In a belladonic haze/And I ate a million Dinners/Brought to Me on silver Trays“, singt Mercury im zweiten Song Vers); „Night Comes Down“ ist eine introspektive Coming-of-Age-Geschichte mit einer lyrischen Anspielung auf „Lucy in the Sky with Diamonds“ der Beatles.

Taylor legt die Vorlage für jedes zukünftige Queen-Album und übernimmt die Leadstimme bei „Modern Times Rock 'N' Roll“, einem kurzen, aber schnellen Ausbruch von Pre-Punk, der auf den Zustand der Musikindustrie der frühen 70er-Jahre abzielt. Und während Deacons Basslinien im Allgemeinen etwas tiefer im Mix vergraben sind, erwachen sie auf „Liar“ zum Leben, einem Vollgas-Beichtstuhl, in dem Mercury versucht, für einige unbekannte Sünden zu büßen.

Obwohl Queen ihr Debüt unbedingt fortsetzen wollten, gab es beim Nachfolger immer noch mehrere Unentschieden. Trotz ihrer früheren kreativen Differenzen kehrte Baker in die Produktionsabteilung zurück, wie er es auch bei den beiden folgenden Veröffentlichungen der Band tun würde. Und es endete auch mit „Seven Seas of Rhye“, dem ursprünglichen kurzen Instrumentalstück von Queen, das zu einer vollständig gesungenen Version erweitert wurde – und 1974 zum ersten nennenswerten Hit der Band wurde.

Und mit der Zeit schien die Gruppe die Verdienste der Königin anzuerkennen. „Keep Yourself Alive“, „Seven Seas of Rhye“ und „Liar“ kehrten alle während ihrer Stadiontournee auf die Setlists zurück. Und im Buch „40 Years of Queen“ aus dem Jahr 2011 räumte May ein, dass die LP zwei Qualitäten besitze, die anderswo in ihrem Oeuvre fehlten. „Dieses Album hatte die Jugend und Frische, die nie wiedergewonnen wurde, weil man nur einmal jung ist“, schrieb er. „Ich würde nie auf die Idee kommen, zurückzugehen und es noch einmal zu machen oder so etwas, weil ich denke, dass es eine Frische hat, die wir so nie wieder haben werden.“

In der Tat hat „Queen“ möglicherweise nicht die gleiche Bedeutung wie „Eine Nacht in der Oper“, „News of the World“ oder eines der anderen vier Studiowerke, die Mercury und Co. als wahre Champions des 70er-Jahre-Rocks positionierten. Aber indem es der Band ermöglichte, ihre Liebe zum Grandiosen zu erforschen und weiterzuentwickeln, war es unbestreitbar ein entscheidender Schritt für eine der bahnbrechenden Bands des Rock.

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Elton John

Foto: Faith Moran/Wireimage/Getty Images

Nachricht

Olivia Newton-John, Roger Taylor von Queen, Billy Ocean und Gary Lightbody von Snow Patrol gehören ebenfalls zu den Künstlern auf der britischen Ehrenliste 2020

GRAMMY-prämierte MusiklegendeElton Johnwird von seinem Heimatland Großbritannien für seine unvergleichlichen Beiträge zu Musik, Philanthropie und Kultur mit dem exklusiven Titel gefeiertOrden der Ehrengefährten.

„Ich fühle mich geehrt und fühle mich geehrt, zu einer solch hochgeschätzten Gesellschaft zu gehören, die den Companion of Honour erhalten hat. 2019 war für mich wirklich ein wunderbares Jahr und ich fühle mich außerordentlich gesegnet“, schrieb der treue „Rocket Man“ auf Twitter.

Die Nachricht kommt mit der kürzlich veröffentlichten Ehrenliste 2020, in der Königin Elizabeth jedes Jahr 1.097 neue Ranglisten von Damen und Rittern feiert. Grammy-GewinnerOlivia Newton-JohnUndBilly Ocean, zusammen mit Roger Taylor vonKönigin, und Gary Lightbody von Snow Patrolgehören auch zu den anderen Musikern auf der Liste der hochrangigen Mitwirkenden der britischen Gesellschaft mit mehreren unterschiedlichen Rängen.

Betrachten:Elton John-Diskografie: Icon denkt über seine persönlichen Lieblingsalben nach

Die australisch-britische Sängerin/Schauspielerin Newton-John wurde laut The Guardian „für ihre Verdienste um Wohltätigkeit, Krebsforschung und Unterhaltung zu einer Dame gemacht“. ProPlakatwand, kämpft sie zum dritten Mal gegen Brustkrebs und engagiert sich seit Jahren für die Krebsforschung und -finanzierung mit verschiedenen philanthropischen Initiativen, darunter dem Olivia Newton-John Cancer and Wellness Centre in Melbourne.

„Ich bin äußerst aufgeregt, geehrt und unbeschreiblich dankbar, zu einer so angesehenen Gruppe von Frauen zu gehören, die diese bedeutende Auszeichnung vor mir erhalten haben“, sagte der „Grease“-Star über Billboard. „Als in Cambridge geborenes Mädchen bin ich sehr stolz auf meine britische Abstammung und sehr dankbar, dass das Vereinigte Königreich auf diese Weise anerkannt wird.“

Andere starke Namen in der Unterhaltungsbranche, wie die Oscar-prämierten britischen Filmregisseure Steve McQueen („12 Years A Slave“, „Widows“) und Sam Mendes („American Beauty“, „Skyfall“). Aber wie der Guardian betont, besteht der Großteil der Liste (72 % in diesem Jahr) aus Namen, mit denen wir weniger vertraut sind, die sich aber dennoch dem öffentlichen Dienst verschrieben haben. Simon Stevens, der Vorstandsvorsitzende des englischen Gesundheitsdienstes NHS, ist einer dieser Menschen, der 31 Jahre lang für eine bessere Finanzierung der öffentlichen Gesundheit gekämpft hat.

EntsprechendBBC News Die Ehrenliste wird zweimal im Jahr veröffentlicht – im neuen Jahr und am Geburtstag der Königin – und wird von der Königin informell genehmigt, nachdem die Nominierten von Ausschüssen „unabhängiger Experten“ genehmigt wurden, die nach Themen gegliedert sind. „Das System wird vom Sekretariat für Ehren und Ernennungen des Kabinettsbüros überwacht, und britische Staatsangehörige oder Bürger der 15 Commonwealth-Reiche können nominiert werden“, erklärt BBC. Ausländer können Ehrenauszeichnungen erhalten.

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John wurde 1998 zum ersten Mal zum Ritter geschlagen – als er seinen „Sir“-Titel erhielt – und schließt sich nun einer Gruppe von nur 65 Mitgliedern als Companion of Honor an. Mit zum Ritter geschlagener GRAMMY-GewinnerPaul McCartneygehört ebenfalls zu dieser Gruppe, deren Höchstzahl von jeweils 65 Mitgliedern den königlichen Monarchen selbst einschließt.

Er erhielt auchFrankreichs höchste zivile Auszeichnung , der Ehrenlegion, Anfang dieses Jahres. Die Elton John AIDS Foundation, zu der es Organisationen in Großbritannien und den USA gibt, hat seit 1992 über 400 Millionen US-Dollar zur Unterstützung der HIV/AIDS-Forschung und -Prävention gesammelt.

Eines der größten Musik-Biopics des Jahres 2019, „Raketenmann„, beleuchtete die persönlichen Probleme von John mit geringem Selbstwertgefühl, toxischen Beziehungen und Drogenabhängigkeit und bereitete vielen mit seiner charismatischen Bühnenpersönlichkeit und seiner bahnbrechenden Mischung aus Folk, Pop und Glam Rock Freude.

Im Jahr 2018 startete seine große Abschiedstournee mit dem passenden TitelAbschied von der gelben BacksteinstraßeEr hat miterlebt, wie er seinen zahllosen Fans auf der ganzen Welt seinen fröhlichen Musikkatalog präsentiertTermine bis ins Jahr 2020.

Giles Martin über „Rocketman“, Elton John, die Neuerfindung von „Tiny Dancer“ und mehr

Adam Lambert + Königin

Foto: Craig Sjodin/Getty Images

Nachricht

Das zweistündige TV-Special bietet exklusive Interviews und Konzertaufnahmen sowie einen Blick hinter die Kulissen der Zusammenarbeit der Band mit Lambert im Jahr 2012

Am 25. Februar, weniger als 24 Stunden nach ihrer mörderischen EröffnungAuftritt bei den Oscars 2019,Königin+Adam Lambert, wie sich die wiederbelebte Glam-Rock-Gruppe selbst nennt, kündigte die Veröffentlichung eines neuen Dokumentarfilms an: „The Show Must Go On: The Queen + Adam Lambert Story“.

Wir freuen uns sehr über die Ausstrahlung unseres Dokumentarfilms „The Show Must Go On – The Queen + Adam Lambert Story“ auf @ABCNetwork am 29. April!! @QueenWillRock

Das zweistündige Special wird am 29. April auf ABC ausgestrahlt und ist laut Angaben des Senders zu sehenPressemitteilung , „seltenes Konzertmaterial und exklusive, freizügige Porträts der Bandmitglieder abseits der Bühne.“ Der Film erzählt die Geschichte der verbleibenden Gründungsmitglieder von Queen, des GitarristenBrian Mayund SchlagzeugerRoger Taylorund holten Lambert als Leadsänger, um die Gruppe 2012 wiederzubeleben, nach ihrem ersten gemeinsamen Auftritt auf der „American Idol“-Bühne im Jahr 2009, als Lambert ein Kandidat in der Show war.

Der Dokumentarfilm bietet den Fans nicht nur die Geschichte direkt von den Mitgliedern der Gruppe, sondern bietet auch Einblicke in Lamberts Familie, den ehemaligen Idol-Juror Simon Cowell,Foo-Kämpfer'Taylor HawkinsUndBöhmische RhapsodieHauptdarsteller ist Rami Malek.

Malek verkörperte den verstorbenen Queen-FrontmannFreddie Mercuryim Biopic dasgewann die Golden Globesund gestern AbendOscars , wo Malek in der Kategorie „Darsteller in einer Hauptrolle“ gewann. Bohemian Rhapsody gilt derzeit alsMusikbiografie mit den höchsten Einnahmen aller Zeiten.

Queen + Adam Lambert werden sich auf einebereits angekündigte Arena-Tour durch Nordamerikadiesen Sommer mit 23 Shows im ganzen Land.

Adam Lambert und Queen eröffnen die Oscars 2019

Königin + Adam Lambert

Foto: Ethan Miller/Getty Images

Nachricht

Die verbleibenden Mitglieder der klassischen Rockband, mit Lambert am Gesang, starten nach dem Erfolg des Queen-Biopics „Bohemian Rhapsody“ eine „epische“ Nordamerika-Tournee.

Am 3. DezemberKönigin+Adam Lambert, wie sich die wiederbelebte Gruppe selbst nennt,angekündigt eine „epische 23-Tage-Arena- und Stadion-Rhapsody-Tour“ in Nordamerika für den Sommer 2019, die im Juli in Vancouver beginnt und im August in Charlotte, North Carolina, endet. Die neue Tour folgt der wiederbelebten Begeisterung für die Musik von Queen – sowohl für neue als auch für langjährige Fans – nach der Veröffentlichung des Queen-Biopics am 2. November.Böhmische Rhapsodie.

#theRhapsodyTour @QueenWillRock SOMMER 2019 Nordamerika pic.twitter.com/r7NQx3Mago

Zu den Tourmitgliedern gehören die verbliebenen Mitbegründer der legendären Gruppe und der GitarristBrian Mayund SchlagzeugerRoger Taylor, mit Lambert als Ersatz, großartigFreddie Mercury . Zum Line-up gehören außerdem Spike Edney am Keyboard, Neil Fairclough am Bass und Tyler Warren am Percussion.

May, Taylor und Lambert traten 2009 zum ersten Mal gemeinsam auf der American Idol-Bühne auf, im selben Jahr belegte die Sängerin den zweiten Platz in der Show und gewann eine treue Anhängerschaft. Der Erfolg von Queen + Adam Lambert kam 2012, als sie mit ihrer Band auf ihre erste gemeinsame Tour durch Europa gingenletzte Tour 2017/2018 um sie um die Welt zu bringen. Die Tour endete im September 2018 in Las Vegas.

In der Ankündigung der Gruppe äußerte Taylor seine Begeisterung darüber, den Moment aufrechtzuerhalten: „Wir sind bereit für Amerika und können es kaum erwarten, wieder in den Sattel zu steigen.“ Lambert fügte hinzu: „Wir haben ein brandneues visuelles Spektakel entworfen, das diese ikonischen Songs neu interpretiert, und wir freuen uns, es zu enthüllen!“

EntsprechendVielfalt„Bohemian Rhapsody“ ist „auf dem besten Weg“, das umsatzstärkste Musik-Biopic aller Zeiten zu werden, einen Platz, den derzeit der NWA-Film „Straight Outta Compton“ aus dem Jahr 2015 einnimmt.

Weitere Informationen darüber, wo Sie Queen + Adam Lambert auf Tour erleben können, finden Sie unterLive-Nation ; Der Ticketverkauf für die breite Öffentlichkeit beginnt am 7. Dezember.

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